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Enigma - Return to innocence (TRADUCIDO)






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Enigma (proyecto musical)

De Wikipedia, la enciclopedia libre

Enigma
Información general
Origen
Alemania
Género(s)
New Age
Electronica
Ambiente
Trance
House
Instrumento(s)
Shakuhachi
Sintetizador
Guitarra
Piano
Violin
Tiempo
1990 - Actualidad
Discográfica(s)
EMI, Virgin, Charisma
Relacionado/a con
Era
Gregorian
Deep Forest
Enya
Sitio web
http://www.enigma.de
Miembros
Michael Cretu
Sandra Cretu
Otros miembros
Jens Gad
Peter Cornelius (1990-1994)
David Fairstein (1990-1997)
Frank Peterson (1990-1991)
Enigma es un proyecto musical iniciado por Michael Cretu y su esposa Sandra Cretu en 1990. Michael es tanto el compositor como el productor; Sandra suele proveer vocales en los tracks de Enigma. Ellos también han trabajado bajo el nombre de Sandra. Seis álbumes ya han sido producidos bajo el nombre del proyecto, el ultimo de ellos lanzado recientemente en septiembre de 2006.


Biografía [editar]

Más de 30 millones de copias vendidas, 50 números uno mundiales, más de 85 discos de platino y 30 de diamante en todo el mundo con sólo los primeros cuatro álbumes en el mercado. Esto es sólo una pequeña introducción para hacernos una idea del lugar que ocupa en el panorama musical el fenómeno llamado Enigma. Capaz de vender casi dos millones de copias más con un CD recopilatorio y otro de Remixes, algo muy raro en la industria actual, tras más de una década en la cumbre y sin la más mínima intención, se ha consolidado como la mejor "alternativa" no intencionada a las creaciones comerciales.
El éxito del proyecto Enigma, según su creador y director Michael Cretu, podría deberse a que ya desde el primer día Enigma era música no vinculada a ninguna corriente musical. La misma se creó como un "objeto no identificado", apareció de este modo y aún sigue siéndolo. Como él mismo afirma: Mi música envía señales que animan y conmueven así como que es «para todo el mundo. Es intelectual pero tiene un sentimiento de ingenuidad, de sencillez, siendo a su vez música para todos los sentidos; razones más que suficientes para añadir a las causas de su gran éxito internacional.
Michael Cretu nació en Bucarest el 18 de mayo del año 1957. De madre austríaca y padre rumano, emigra a Alemania en 1975, donde estudia en la Academia de Música de Frankfurt, graduándose en Teoría de la Composición con honores de primera clase. Pronto pasa a ser un renombrado músico de estudio especializado en teclados, destacando como arreglista y productor. Inicia una carrera en solitario con la publicación de sus albums Moon, Light, and Flowers (Polygram, 1979), Legionare (Virgin, 1983) e Invisible Man, versión inglesa de Die Chinesische Mauer (La Muralla China).
Durante toda su carrera, Michael Cretu es galardonado con numerosos premios y honores por su trabajo como productor, colaborando con diversos músicos de renombre internacional como Mike Oldfield (Islands), Moti, Thiers y Sandra Lauer, cantante pop europea con quien se casaría en 1988, y que también destaca por su propia carrera en solitario. Ambos actualmente residen en España, Ibiza, y son padres de gemelos, Nikita y Sebastian, nacidos en 1995. Michael y Sandra continúan con sus respectivas carreras musicales tanto en Enigma como en otros proyectos en solitario o colaborando con varios artistas y músicos, al tiempo que producen álbumes propios y ajenos en el estudio en su casa ibicenca en España (A.R.T. Studios), ya referencia habitual en todos los libretos de los discos de Enigma y en los de todos los trabajos producidos por Cretu.
Cuando en 1990 vio la luz el primer single de Enigma, Sadeness (part. I), rápidamente empezó a especularse sobre la autoría de este nuevo e impactante proyecto musical. La pregunta más frecuente en el mundo de la música era: ¿Quién o quienes están detrás de Enigma?. El tiempo constató que se trataba de Michael Cretu, productor, músico y cantante de origen rumano-austríaco residente en España. La inquietud suscitada por desenmascarar al responsable del proyecto, que incluso llegó a convertirse para algunos en verdadera obsesión, no fue nada más que el efecto secundario del concepto con el que había sido concebido. El origen de éste venía a hacer realidad el sueño que desde hacía tiempo y cada vez con más frecuencia se manifestaba en la mente de su artífice. En sí, la base se dibujaba en torno al modelo conceptual desde el que se pudiese desarrollar un tipo de música al margen de convencionalismos, creativa y experimental. En palabras de Cretu: Quería que la música hablase por sí misma, que ésta fuese apreciada por el público sin importar el artista o artistas que se ocultaran tras el proyecto.
Por esta razón, al principio no hubo ninguna referencia a los artistas implicados, ya que el objetivo de Cretu era mantener el anonimato, y que el público reaccionara de modo espontáneo a su música, rompiendo todas las reglas establecidas en este sentido. Ello propició toda clase de rumores propagados por periodistas y críticos acerca de quién se escondía detrás de Enigma, especulándose con los nombres -entre otros muchos artistas- de Alan Parsons o Mike Oldfield como los misteriosos creadores de esta música tan peculiar. A pesar de la referencia Curly M.C. que figura por todo el disco, nadie sospechó que Curly - Cretu tiene el pelo rizado de ahí ese apodo- y las iniciales de su verdadero nombre M. C. respondían al famoso productor.
Pasado el tiempo se verificó que todas las teorías lanzadas nada tenían de cierto. Sin embargo, Michael Cretu vio frustradas sus intenciones de mantenerse en el anonimato y perpetuar el misterio cuando la música de este primer álbum fue acusada de plagio por el hecho de mezclar cantos gregorianos con bases rítmicas actuales. A nivel legal, Cretu y la filial de Virgin de Alemania tuvieron que solventar este espinoso tema cuando el coro de la ciudad de Munich, Kapelle Antiqua, les denunció por haber utilizado sin permiso sus grabaciones de cantos gregorianos en el álbum, en concreto en ciertos fragmentos de Sadeness (part. I) y Mea Culpa (part. II). El asunto se resolvería con una compensación económica a la parte ofendida, una petición retrospectiva de los permisos correspondientes a BMG/Ariola y Polydor por el uso de dichos fragmentos corales, y una disculpa por escrito. Pese a ello, y desde el punto de vista legal, no se había quebrantado ningún copyright, estrictamente hablando, ya que tales grabaciones del coro Kapelle Antiqua eran de dominio público. No obstante, tal incidente bastó para terminar con el Enigma y los nombres de Michael Cretu como impulsor del proyecto, y Sandra Cretu, su esposa y su más estrecha colaboradora, salieron a la luz pública a raíz de ello. Y si bien los deseos de Cretu se malograron en este sentido, terminó ganando el caso en los tribunales.
Como Enigma, su éxito vino de la mano de este primer álbum, MCMXC a. D., donde, fiel a su idea de hacer que primara la música por encima del artista, no quiso usar su verdadero nombre ni que figuraran referencias claras a las personas implicadas en su realización.
Como se escucha al principio del disco, lo que importaba era la voz de Enigma. Tras los pleitos desatados por la acusación de plagio comentada anteriormente, en los álbumes siguientes ya no había motivo para seguir manteniendo el silencio respecto a los nombres de los diversos artistas colaboradores en el proyecto, entre los que, aparte de Cretu y su esposa Sandra, se cuentan Frank Peterson (F. Gregorian), quien participara en este primer álbum, si bien pronto se separó del proyecto debido a diferencias artísticas con Cretu; David Fairstein, que ha colaborado con el artista desde 1990; Andy Hard (Angel), un cantante alemán que ha participado en Return to Innocence del álbum Enigma 2, The Cross of Changes, además de otros proyectos independientes por parte de Sandra y su propio debut en solitario Welcome to the Soul Asylum, producido por Michael Cretu y Jens Gad; Peter Cornelius, cantante y letrista austríaco con una carrera propia en solitario desde 1980, cuya contribución a Enigma se plasmó en el solo de guitarra de I Love You...I'll Kill You, del álbum The Cross of Changes, y en Le Roi Est Mort, Vive Le Roi!, en The Child in Us, amén de otras colaboraciones al margen de Enigma; Jens Gad, ex-cantante, productor y guitarrista cuya más notable contribución se plasmaría en las partes de guitarra del álbum The Cross of Changes, además de otras colaboraciones; y Julien Temple, productor de videos musicales, entre los que se cuentan los producidos para Sadeness, Return to Innocence, y Beyond the Invisible.
Pero, ¿cómo es la música de Enigma?, ¿Por qué su éxito internacional?. Independientemente de las controvertidas opiniones al respecto, lo cierto es que en su momento Cretu supo aprovechar una serie de circunstancias favorables y crear algo que sonaba nuevo en el panorama musical. En ello, el mismo artista reconoce la influencia que tuvo el trabajo de grupos como Pink Floyd o Yes: Siempre me gustó este tipo de música, pero ya no podía comprarla, por lo cual la hice yo mismo. Utilizando samplers con sonidos de flautas al estilo peruano y canto gregoriano, el artista los combinaría con ritmos pop y disco para producir el primer álbum, MCMXC a. D., cuyo single Sadeness (part. I) llegaría a mantenerse en los primeros puestos de las listas de éxitos de 23 países, al tiempo que el álbum vendería doce millones de unidades siendo número uno en 41 países, además de recibir diversos galardones a nivel internacional, incluyendo varios discos de oro y platino en numerosos países, así como un triple platino en los Estados Unidos.
Este álbum supuso para muchos críticos el mayor impulso y reconocimiento de la música religiosa cristiana de todos los tiempos. A ello ayudó tanto la calidad de la obra en si, como la campaña de marketing suscitada por la controversia con determinadas comunidades integristas católicas. En Holanda, supuestamente, hasta se declararon tres amenazas de bomba a una emisora por nominar a MCMXC a. D. disco de la semana.
Su éxito no disminuyó con el segundo álbum, The Cross of Changes, publicado a finales del año 1993, vendiendo en un tiempo récord cerca de cinco millones de unidades. En este disco, Michael Cretu omitió los cantos gregorianos y limitó la presencia de la flauta que tanta presencia tuvo en el primer trabajo. En este nuevo disco, podemos decir que no hacen acto de presencia aquellos elementos tan característicos del álbum anterior. En vez de ello, el autor se decanta por una progresión gradual producida por distintos instrumentos y estilos musicales de orígenes étnicos muy diversos, incluyendo cánticos lapones, entre otras novedades étnicas, llevando a la música de Enigma por un camino muy distinto al marcado por el álbum anterior, en una incesante exploración de nuevas veredas musicales innovadoras que al mismo tiempo resultan igualmente comerciales y satisfactorias en el campo de la música actual. El primer single del nuevo disco Return to Innocence y su vídeo, en escaso tiempo se convirtieron en uno de los más emitidos por todos los medios de comunicación. Para Cretu, estos dos primeros álbumes vendrían a ser los progenitores musicales de su tercer éxito como Enigma: Mi intención ha sido mezclar los elementos de los dos primeros (álbumes) y darles un papel.
Enigma 3 Le Roi Est Mort, Vive Le Roi! retoma los cantos gregorianos y las flautas del primer álbum y los convierte en parte de la banda, dejando a un lado su papel solista anterior. Como él mismo declara, la intención era realizar un álbum muy armónico, más centrado, con más canciones, no sólo con atmósferas. Asimismo, me he apartado de las pautas percusivas típicas, ya que no las soporto más. En este álbum las pautas percusivas son bastante distintas, más tranquilas. Incorporando nuevos rasgos étnicos que van desde cánticos zulúes al folklore letón, el álbum pretende reflexionar sobre cómo todo cambia al tiempo que permanece: De un modo ingenuo, filosófico, las canciones de este álbum son una reflexión sobre nuestras vidas diarias, por qué hacemos esto o lo otro. Una de las preguntas centrales que refleja el álbum, ¿Por qué?, es, según Cretu, una de las preguntas más básicas que se hace el ser humano. Si bien entre álbum y álbum, ha transcurrido un considerable lapso de tiempo, debido a las condiciones en las que Cretu madura, produce y realiza sus propias grabaciones (él es su propio ingeniero de sonido, productor y autor de las letras y música), este tercer álbum no es ni mucho menos el último que el artista pretende publicar como Enigma.
La revista americana Billboard, en su edición del 23 de octubre de 1996, aseguraba que Michael Cretu ha firmado un contrato para realizar cinco álbumes más tras el álbum Le roi est mort, vive le roi!, a razón de una nueva entrega cada tres años, si bien los recopilatorios Love, Sensuality, Devotion: The Greatest Hits y la colección Love, Sensuality, Devotion: The Remix Collection ya han roto ese intervalo temporal. Por tanto, todo hacer ver que Michael y Sandra Cretu continuarán con la calidad indiscutible de sus producciones como Enigma, que tantos fans y seguidores han conseguido.
Respecto a posibles giras de Enigma, en una carta hecha pública el mes de marzo de 1995, Cretu afirma haber considerado la realización de un único concierto en algún lugar espectacular poco después de publicar su último álbum, si bien ello es tan sólo una idea y no hay aún nada concreto en este sentido.
Por otra parte, la renuncia de Cretu a conceder entrevistas, tal vez en parte debida a su idea de mantener un perfil tan anónimo como las circunstancias le permitan, y cierta aura de misterio, con el fin de que el público se centre en su música más que en su persona, responde además, según sus declaraciones, al hecho de que no dispone de tiempo para ello, debido a sus múltiples obligaciones laborales. No hay que olvidar que su trabajo en Enigma no es más que uno de sus muchos proyectos, ya que además de ello el artista suele trabajar tanto en sus propias producciones para su carrera en solitario como en distintas colaboraciones con otros artistas, o bien escribiendo música o en su faceta de productor (T.A.A.W. y la producción de Andru Donalds son sus dos últimos trabajos).
Como él mismo dice, Si empiezo a contestar todas las preguntas que me hacen, no tendría ni un minuto para el estudio. No obstante, Cretu sí concedió una entrevista en Internet el 14 de diciembre de 1996, con motivo de la publicación del tercer álbum de Enigma, a la que la han seguido varias, coincidiendo generalmente con la aparición de un nuevo trabajo; incluso, con el lanzamiento del álbum recopilatorio Love, Sensuality, Devotion. The Greatest Hits, fue entrevistado en nuestro idioma el 20 de octubre de 2001 en la emisora de radio española M80.
[ Entrevista ]
A Cretu le gusta trabajar en la paz, la soledad, y la tranquilidad de su estudio, ya que de este modo se concentra mejor y puede expresar lo que desea en su música de un modo más fiel a sus ideas originales.
Pese a que el Enigma del artista que lo creó ya se ha desvelado por razones ajenas a su voluntad, fiel a sus principios, Cretu se mantiene al margen restando todo protagonismo a su persona, especialmente en los videos: Yo sólo importo mientras se está haciendo el álbum, pero no luego. Lo que importa es el resultado. La música es la estrella, no yo. En Noviembre de 1999 se produce el lanzamiento de Gravity of Love, el primer single del esperado cuarto álbum de Enigma, titulado The Screen Behind The Mirror, que vio la luz el 17 de Enero del 2000 a nivel mundial.
En cuanto al título del álbum, aunque Michael Cretu es partidario de la interpretación subjetiva de éste, afirmó: Si alguien echa un vistazo en el espejo, se ve a sí mismo tal y como se quiere ver. Sin embargo, quedan muchas cosas escondidas entre lo que el hombre considera de sí mismo y lo que realmente representa. Este nuevo disco irrumpe con un fresco y nuevo sonido junto a una gran y profunda percusión. Incluye elementos de los tres álbumes anteriores, aunque recuerda especialmente al primero. O Fortuna, pieza clave de la opera del compositor alemán Carl Orff, Carmina Burana es el elemento común en todo el álbum, y está mezclada magistralmente con los enigmáticos sonidos de Cretu. Para este cuarto álbum, además de las ya voces clásicas (Elisabeth Houghton en The Gate), Cretu se sirve de nuevos cantantes como Ruth-Ann Boyle de Olive y Andru Donalds, la primera interpreta magistralmente Gravity of Love y Silence Must be Heard, mientras que Donalds presta su voz en Modern Crusaders y en Camera Obscura. En el año 2001 se publica el DVD Remember the Future, que recoge, aunque no todos, los videos de Enigma.
Es también significativa la previa colaboración con el Dj. alemán ATB en el álbum Two Worlds, realizando un precioso tema para el segundo CD titulado Enigmatic Encounter donde se adivinan elementos de ambos músicos. La alianza Enigma-ATB se viene fraguando desde el lanzamiento del single Push the Limits del álbum The Screen Behind The Mirror, cuyos remixes llevan la firma del DJ. También en este año de 2001, el 8 de octubre, se lanza el álbum recopilatorio de Enigma Love, Sensuality, Devotion. The Greatest Hits y la colección de remixes Love, Sensuality, Devotion. The Remix Collection.
En ambos álbumes se incluye un tema inédito, Turn around, corte de apertura e introducción a esa memoria retrospectiva que resume los cuatro trabajos hasta la fecha de Enigma. Según Cretu, éstos cierran un ciclo: Love, Sensuality, Devotion es la documentación que finaliza la primera fase de Enigma. El primer volumen se ha cerrado ahora. Pero prometo que habrá un segundo. Porque la música de Enigma es como un sueño sin final. Un sueño hermoso. Cuando dejas de soñar, mueres, y yo tengo muchos sueños insatisfechos todavía.

Tras el lanzamiento de este primer volumen recopilatorio, Michael Cretu fue galardonado con el premio World's Best Selling German Artist el 6 de Marzo de 2002 en Montecarlo. La gala fue retransmitida por la ABC Network TV. Tras conocer las cifras de ventas de los Grandes Éxitos y del álbum de remixes, que casi alcanzan los 2 millones de copias a nivel mundial, el 17 de agosto de 2003 llega a nosotros Voyageur, el primer single de lo que será su quinto álbum de estudio y que se titulará igual que el sencillo. El nuevo CD, a la venta el 8 de septiembre de 2003, explora nuevos caminos y abre fronteras, experimentación, sonidos de ensueño en otra obra maestra que rompe en cierto modo con las anteriores creaciones de Enigma. El nuevo estilo, desconcertante en sonido y forma, muy alejado de los cánones de lo establecido en el mundo de la música contemporánea, acentúa esa "disconformidad" en favor de una creación limpia, pura y espiritual. El quinto álbum con cada uno de sus cortes turba mentalmente al más fiel seguidor del proyecto; el oyente no deja de salir de su asombro ante lo que escucha: cientos de sonidos diferentes, multitud de frecuencias sonoras que armónicamente se suceden en un espacio temporal del que se ha perdido la percepción desde el tema inicial From East to West. Ya avisaba Michael Cretu semanas antes de su lanzamiento mundial: Para mí, las cinco primeras canciones de Voyageur musicalmente no se pueden comparar a nada de este planeta. Nunca he escuchado algo parecido. Del mismo modo, quizá lo más desconcertante de este trabajo, en palabras de Michael, es que estamos ante un Enigma ...diferente!. Es el primer álbum de Enigma que no contiene samples. Voyageur es un álbum lleno de sensaciones, de ritmos, de atmósferas para soñar; un viaje acústico por el mundo del subconsciente, otra cita con la Magia. Ya en 2005, tras un paréntesis de casi dos años, se percibe nueva actividad productiva de Cretu en el proyecto Enigma. Para el 25 de noviembre del mencionado año se tenía previsto el lanzamiento del single Enigma Hello + Welcome, single que vendría a ilustrar musicalmente la entrada en el ring del campeón alemán Felix Sturm en la final de boxeo de la categoría pesos pluma. Una lección a última hora del boxeador retrasó su publicación hasta abril de 2006, nueva fecha elegida para la celebración de la final. Tanto el single como vídeo se adaptan al objetivo para el que fueron concebidos: ser la B.S.O de la trayectoria deportiva de Sturm. Los dos remixes de éste los realizó el productor inglés Rollo (Faithless). Un més más tarde, el 9 de diciembre de 2005, (12 del mismo mes en España) sale a la venta un set especial enfocado a coleccionistas: Enigma: 15 years After (15 años después). Aprovechando las fechas navideñas y enfocado a ser un excelente regalo, esta caja contiene los 5 álbumes hasta la fecha de Enigma, los dos DVDs y un CD adicional inédito remezclado por Rollo The Dust Variations, en él, el productor inglés remezcla algunos clásicos de Enigma, pero tocando de nuevo todos los instrumentos y sin utilizar los samples y voces de los originales. Un CD, podemos decir, cuyo sonido se asemeja al de una orquesta de cámara. En este compacto también se incluye el single Hello + Welcome. Este set se presenta en formato de lujosa caja que contiene un libro de atractivo diseño y los 8 discos citados. El mismo Michael Cretu, apoyando su promoción, se desplazó a Ueden (Holanda) donde estaban fabricándolos, para firmar 1000 ejemplares que se destinarían a los 1000 primeros compradores. [1]

Miembros [editar]


Actuales [editar]


Pasados [editar]

  • Peter Cornelius (1990-1994)
  • David Fairstein (1990-1997)
  • Frank Peterson (1990-1991)



Discografía [editar]

Artículo principal: Anexo:Discografía de Enigma

Álbumes [editar]


Compilaciones [editar]


Sencillos [editar]


DVD's [editar]


Referencias [editar]

  1. Biografía extraida de EnigmaMusica.com

Enlaces externos [editar]

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Gloria Gaynor - I will survive



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Gloria Gaynor

De Wikipedia, la enciclopedia libre


Gloria Gaynor en 2003
Gloria Gaynor en 2003

Gloria Gaynor (7 de septiembre de 1949) es una cantante de música disco y soul estadounidense. Tres de sus canciones más conocidas son I will survive (1979), Never can say goodbye (1974) y I am what I am.

Considerada una de las divas de la música disco de los 70 y 80 Gloria Gaynor nace el 7 de septiembre de 1949 en Newark, New Jersey. Empieza su carrera con la banda Soul Satisfiers durante los 60. Su primer single se edita en 1965 bajo el título She'll be sorry/Let me go baby.

Por primera vez la letra de una canción (I will survive, Sobreviviré) se escribe desde el punto de vista de una mujer, arremetiendo a su ex amante que ya es libre y puede seguir adelante sin él. La canción se convirtió en un himno de la liberación femenina y hoy en día sigue sonando con fuerza en discotecas y karaokes.

Su otro gran éxito, "Never can say goodbye" (Nunca digas adiós), sería versionado con enorme éxito por Jimmy Sommerville, líder del grupo gay The Communards.

Su tercer gran éxito, "I am what I am" (Soy como soy) se convertiría en himno gay, al aludir a la defensa de la propia personalidad, más allá de presiones externas.

Gloria Gaynor encabeza éxito tras éxito y se convierte en la reina de las pistas de baile durante 20 años. Su música traspasa fronteras y Europa se rinde hacia ella.

Hoy en día la popularidad de la Gaynor parece haber disminuido aunque sus canciones siguen sonando con la misma fuerza y varias de ellas forman parte de las 100 más imprescindibles según la revista Rolling Stone.

Su sito oficial es: www.gloriagaynor.com y allí se pueden encontrar todos los detalles de su actividad, discografía, calendario de presentaciones, etc. Hay muchos websites en el mundo que le rinden homenaje. Por ejemplo, en Argentina, un grupo de fans le rinden tributo en www.gloriagaynor-fans.com.ar

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Aloha Oe


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Keali'i Reichel sings Kawaipunahele Hawaiian Music


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Aloha Oe on Ukulele

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Espíritu Aloha

De Wikipedia, la enciclopedia libre

Camisa estilo hawaiano
Camisa estilo hawaiano

Aloha es la palabra hawaiana utilizada para saludar y bendecir a los visitantes, que se podría traducir aproximadamente como belleza, paz, disfrute, o bienaventurado seas.

La cultura de Hawai define el "Espíritu Aloha" como la motivación que se expresa a través de la alegría, la cortesía, la simpatía y razonabilidad, y no obviando otros aspectos como serenidad, sensualidad y un sano orgullo. En su tradición, se considera que la motivación Aloha cura el espíritu y el cuerpo y contagia felicidad.

Esta filosofía es una base del arte tradicional polinesio, desde la música y danzas, hasta las vestimentas.

La popularidad del surf en los Estados Unidos hizo famoso el concepto de "aloha", a través de las camisas estilo hawaiano de motivos florares vistosos basados en el sentido estético polinesio.

Enlaces externos

Ukelele

De Wikipedia, la enciclopedia libre


Un ukulele hawaiano.
Un ukulele hawaiano.

El ukulele es un instrumento de cuerdas pulsadas, tradicional de las islas Hawai. Es un pariente cercano del cavaquinho portugués, del que en realidad es una adaptación hawaiana.

Este pequeño instrumento fue muy popular en la primera mitad del siglo XX, y es un elemento fundamental de un conjunto de música tradicional hawaiana. El ukulele también ha sido incorporado en los conjuntos de otros géneros musicales, que van de la canción popular al jazz, en tanto que es capaz de aportar un aire humorístico o exótico a un conjunto musical.

Ampliamente utilizado en los Estados Unidos, el ukulele fue también el primer instrumento con el que varios artistas contemporáneos de ese país y el Reino Unido accedieron al mundo de la música. entre ellos habría que citar a Vic Chesnut, Dick Dale, Jimi Hendrix, Artie Shaw, Neil Young, Brian May...

Tipos de Ukelele y Afinación [editar]

Existen cuatro tipos de ukelele según la tonalidad: Barítono (el de sonido más grave), tenor, concierto y soprano.

La afinación de las cuatro cuerdas, viendo al instrumento de frente y de derecha a izquierda es la siguiente:

  • Ukelele soprano y de concierto: La, Mi, Do y Sol (agudo) o Si, Fa#, Re y La (agudo). Ésta última, es la inversa de la afinación del cuatro venezolano, lo que podría prestarse a confusiones.
  • Ukelele tenor: La, Mi, Do y Sol.
  • Ukelele barítono: Mi, Si, Sol y Re (esta afinación es idéntica a la de las cuatro primeras cuerdas de una guitarra).

La afinación se representa en el pentagrama de acuerdo a la siguiente figura.

Enlaces externos [editar]


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Evolution of Dance

El siguiente es el video más visto de YouTube de todos los tiempos, con 60,059,890 vistas desde que fue publicado el 6 de Abril del 2006.

El título del video es Evolution of Dance, y en él aparece el orador y comediante Judson Laipply haciend oun repaso por los bailes más famosos de la historia de la música. Ya se imaginan el éxito que tendrá este señor. Inclusive, los interesados pueden sugerirle canciones para que agregue a su baile a través de su página web. La verdad es que pensé que el primer puesto en YouTube sería algo más interesante…
The funniest 6 minutes you will ever see! Remember how many of these you have done!
Judson Laipply is dancing -
www.evolutionofdance.com -
for more info including song list!

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Supertramp - Roger Hodgson .. Fools Overture

Roger Hodgson .. Fools Overture

de Supertramp.
Todo un clasico ( ojo dura 10 minutos), para estar escuchandolo sin parar toda una tarde.



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Roger Hodgson

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Roger Hodgson.
Roger Hodgson.

Roger Hodgson es un cantante británico que perteneció al grupo Supertramp desde su formación en 1969, hasta 1983. Charles Roger Pomfret Hodgson nació en Portsmouth (Hampshire), al sur de Inglaterra, el 21 de marzo de 1950.

En 1962 recibe la guitarra de su padre. Con doce años, da su primer concierto en Oxford, con canciones propias, a excepción de un tema de Cliff Richard.

Admirador de The Beatles, Traffic y Steve Winwood.

Comenzó como bajista y guitarrista, colaborando con People Like Us y con el grupo Argosy, en el que tocaba el piano Reginald Dwight, conocido años después como Elton John.

Contesta a un anuncio que había puesto Richard Davies en agosto de 1969 en la revista Melody Maker, en la que ofrecía una "auténtica oportunidad". Tras congeniar con Richard Davies, acuerdan formar un grupo al que llamaron Daddy, nombre que poco después se cambió definitivamente por el de Supertramp.

Abandona al grupo en la gira de 1983 durante la promoción de su último disco, que sin duda tenía un significativo título: "...famous last words...". Se despidió sobre el escenario cantando precisamente Don't leave me now, el último tema del disco.

Hay poca información acerca de los motivos de la ruptura. Parece que el hecho de que R.Davies insistiera en registrar todas las canciones con el nombre de ambos pudo ser una razón. R.Hodgson ha explicado en alguna ocasión que los proyectos musicales de ambos se iban distanciando, y no tenían canciones ni estilos en común, como se refleja en el último disco que editaron juntos: ...famous last words.

En su carrera musical en solitario, ha editado varios discos:

  • 1984 - In the eye of the storm

Un año después de abandonar Supertramp, produce y realiza los arreglos en solitario de su primer disco, tocando prácticamente todos los instrumentos, excepto en algunos pocos temas. Este álbum salió a la venta el 6 de octubre de 1984. Fue disco platino en Canadá en tan sólo un mes.

Previamente, había hecho un intento fallido de editar un disco coproducido con Jack Joseph Puig, que quedó catalogado con el título Sleeping with the enemy.

Significa en japonés "sí, sí". Álbum experimental producido por R. Hodgson y Jack Joseph Puig. Todas las canciones compuestas por R.Hodgson, excepto "Land Ho", que había registrado en 1974 con Richard Davis. No le terminaba de convencer artísticamente el álbum, y tardó 16 meses en sacarlo al mercado. Está dedicado a su mujer Karuna, y a sus dos hijos: Heidi y Andrew.

Un mes después, tras caer por una escalera, se rompió las muñecas, lo que le causó un largo periodo de ausencia de los escenarios hasta su recuperación.

El 22 de julio de 1990, se celebró en Nevada City, en la finca de R. Hodgson (The Shire) el funeral de Sam, el primer productor de Supertramp.

  • 1997 - Rites of passage

Producido por Karuna Hodgson, es un álbum de conciertos, con sonido en directo. El primero, se dio en Santa Cruz (California), el 4 de julio de 1996. El álbum se grabó el 2 de agosto del mismo año. La banda estaba compuesta por R.Hodgson, su hijo Andrew Hodgson, Mikail Graham, Rich Stanmyre y Jeff Daniel. También intervienen Terry Riley, Josh Newman y el saxofonista de Supertramp, John Anthony Helliwell. Una de las canciones es de Andrew Hodgson, y otras dos son de Mikail Graham. El disco está dedicado a la hermana de R.Hodgson, Caroline.

  • 2000 - Open the door

Producido por Alan Simon y R.Hodgson. Todas las canciones escritas por R.Hodgson, excepto "For every man", de Alan Simon.

Web oficial de Roger Hodgson. Incluye algunas demos, entre las que se puede encontrar la versión que grabó de Breakfast in America cuando tenía 18-19 años.

Web oficial de Roger Hodgson en español. Incluye toda la infromación referente a Roger Hodgson en español, además de amplia información de su grupo de origen.

Enlaces externos [editar]

Página sobre Roger Hodgson y Supertramp en español

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Barry Bhite - my everything

Barry Bhite - my everything


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Pavarotti & Barry White - My first, my last, my everything


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Barry White spanish song


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Barry White

De Wikipedia, la enciclopedia libre


Barry White
Información general
Nombre Barrence Eugene Carter
Alias Barry White
Nació 12 de septiembre de 1944
Origen Estados Unidos
Murió 4 de julio de 2003
Género(s) Soul
Disco
Instrumento(s) Piano, Voz
Tiempo 1972 - 2003

Cantante colonense (Galveston, Texas, 12 de septiembre de 1944 - Los Ángeles, California, 4 de julio de 2003) caracterizado por su voz profunda y romántica.

Se crió en el ghetto negro de la ciudad de Los Ángeles. Fue un adolescente alocado y estuvo en la cárcel por robar neumáticos y partes de autos. En prisión decidió cambiar de vida y de amigos.

Tuvo grandes éxitos como intérprete de baladas románticas en los años 60. En 1969 creó el trío Love Unlimited. Este título lo tomaría posteriormente para darle nombre a su grupo de acompañamiento, la Love Unlimited Orchestra.

En los años 70 obtuvo sus mayores satisfacciones imponiendo un nuevo estilo soul orquestal que, al lado de suaves melodías sinfónicas trazadas con violines, incluía arreglos rítmicos amplificados, constituyendo el ingrediente indispensable para el surgimiento de la Disco Music y de la moda del sonido difuminado de las grandes orquestas exitosas de la década, como las de MSFB, Electric Light, Van McKoy, Ben Murphy, Sal Soul, etc.

Barry era un artista completo: cantante, compositor, arreglista, director de orquesta y ejecutante musical. A eso debe añadirse la faceta de patrocinador de otros grupos musicales. Por eso lo apodaban "The Maestro", y es reconocido como un genio de la música. A menudo hacía una sensual introducción hablada a sus temas con una voz gruesa, profunda y varonil. En algún momento de su carrera resultó ser el artista mejor pagado del mundo.

Regresó de nuevo a la fama 30 años más tarde con sus apariciones en la serie de televisión Ally McBeal y en la serie de animación Los Simpson.

Barry White fue la inspiración para el personaje de Chef de South Park

En el año 2000 ganó dos grammys en los apartados de mejor música tradicional y en rhythm and blues por Staying Power.

Murió en el Centro Médico Cedars-Sinai, en Los Ángeles, a los 58 años. Padecía problemas de riñón a causa de su alta presión sanguínea y estaba a la espera de un trasplante.

Algunas de sus baladas más conocidas son I can't get enough of your love, Babe (No puedo tener suficiente amor tuyo, nena) (1974), You're the first, the last, my everything (Eres el primero, el último, mi todo) (1974). También caben destacar canciones que fueron grandes éxitos como: "Let the music play" (Dejen sonar la música), "What am I gonna do with you?" (¿Qué voy a hacer contigo?), "You see the trouble with me" (Ves un problema conmigo), "It´s ecstasy when you lay down next to me" 1977 (Es un éxtasis cuando te acuestas cerca de mí), "Just the way you are" 1978 (excelente versión de la exitosa canción de Billy Joel), "Your sweetness is my weakness (Tu dulzura es mi debilidad), "Sha la la means I love you" (Sha la la significa te amo), entre otras. Y aparte de todo esto Barry White destacó en la producción de muchos temas instrumentales, en algunos casos componiéndolos, como por ejemplo su famoso "Love´s theme" (Tema de amor), "Forever in love" (Enamorado por siempre), "Rhapsody in white" (Rapsodia blanca), Barry´s theme (Tema de Barry). Caben destacar otros temas instrumentales como: "Midnight and you" (La medianoche y tú), "What a groove" (Qué disfrute), "Satin Soul" (Alma de satín), así como también las versiones instrumentales de algunas de sus canciones como "Never never gonna give you up" (Nunca, nunca renunciaré a ti) (1973), entre otras.

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Vangelis - Chariots of Fire




Vangelis - Wikipedia, la enciclopedia libre

Vangelis
Información general
Nació 29 de marzo de 1943, Grecia
Género(s) New Age
Ocupación(es) Compositor
Tiempo 1985-Presente
Discográfica(s) RCA Records
Atlantic Records
Sony Music
Warner Music
Poydor
Sitio web http://www.vangelisworld.com/

Evangelos Odyssey Papathanassiou [Ευάγγελος Οδυσσέας Παπαθανασίου], más conocido como Vangelis, es un famoso teclista y compositor de música electrónica, que nació el 29 de marzo de 1943 en Volos, Grecia.

Entre sus obras más conocidas destacan las partituras originales para las películas Carros de fuego (ganadora del Oscar a la mejor banda sonora en 1981), Blade Runner ( 1982), y 1492: La conquista del paraíso ( 1992).

Su música se caracteriza por el uso de sintetizadores y ocasionales instrumentos acústicos para crear atmósferas de sonido envolvente, en un tono generalmente grandioso y solemne. No es sencillo enmarcar su música dentro de un género en concreto, aunque normalmente se le incluye entre las filas de las llamadas Nuevas Músicas, o de forma más amplia como músico clásico contemporáneo. En cualquier caso, la diversidad y complejidad de la obra contenida en su discografía hace difícil su catalogación como artista New Age o Chill Out.

Aunque algunos de sus trabajos más conocidos pertenecen al mundo de la música de cine, Vangelis es uno de los pocos compositores que atesoran el mismo reconocimiento por sus bandas sonoras que por sus propios discos de estudio. Entre sus obras se encuentran, además, varias creaciones para obras de teatro ( Antigona) y musicales ( Frankenstein o el moderno Prometeo, La bella y la bestia).

También desarrolla una carrera paralela como pintor, habiendo realizado varias exposiciones de ámbito internacional.

Prácticamente no trascienden noticias sobre su ámbito personal, y esto le ha otorgado en algunos momentos de su carrera una cierta fama de excéntrico y arisco, si bien es cierto que su presencia en diversos eventos de interés cultural le han afianzado como una personalidad de considerable peso mediático, especialmente en Grecia.

En su honor, la Unión Astronómica Internacional dio su nombre a un asteroide: (6354) Vangelis.

Vangelis, el pionero

La posición acomodada de la familia Papathanassiou hizo que Vangelis, quien ya realizaba pequeños conciertos con sus propias composiciones a los seis años de edad, fuese uno de los primeros poseedores de un sintetizador en Grecia. Debutó en el mercado discográfico como teclista del grupo The Forminx, una de las muchas bandas juveniles que se formaron a mediados de los sesenta para seguir la estela musical y estética de The Beatles.

Más tarde, Vangelis formó parte de la banda de rock progresivo Aphrodite's Child junto a Demis Roussos (primo del artista) y Lucas Sideras. El trío consiguió notables éxitos -sobre todo en Europa- con temas como Spring Summer Winter and Fall, Rain and Tears y Let Me Love, Let Me Live. Grabaron tres álbumes de estudio, siendo el más destacable 666, un doble vinilo conceptual sobre el Apocalipsis de San Juan que por un lado les valió el reconocimiento de la crítica como pioneros del rock sinfónico, y por otro, la censura en algunos países debido a los supuestos mensajes satánicos y/u obscenos que contendría dicha obra. En uno de los temas, la actriz Irene Papas grita repetidamente una frase ambigua en una mezcla de éxtasis alucinógeno y orgásmico, y el segundo vinilo concluye con la frase "do it", "hazlo", que fue suprimida en Estados Unidos. 666 es considerado como uno de los álbumes más influyentes de su época y todo un hito de la música conceptual, alabado, entre otros, por el pintor Salvador Dalí. El rumbo experimental impuesto en este último disco por Vangelis, espina dorsal de los Aphrodite's Child, trajo como resultado la separación del grupo. A partir de este momento, el teclista iniciaría una peregrinación por las principales capitales culturales europeas que le llevaría a grabar varios álbumes en ciudades como París o Londres, llegando a construir en la segunda su propio estudio de grabación, al que bautizó como Nemo.

Es en esta época cuando Vangelis publica varios singles bajo seudónimo, tal vez tanteando la reacción del público ante el sonido que podría adoptar para su carrera como solista, o quizá utilizando estas incursiones como una forma de dar salida a facetas poco conocidas de su creatividad en lo que a amplitud de géneros se refiere, sin comprometer con ello su imagen ante sus seguidores.

1970 - 1980: buscando un sonido

Antes de que la banda Aphrodite's Child se disolviese, Vangelis ya había publicado un primer álbum como solista titulado Sex Power, banda sonora de la película del mismo título, dirigida por Henry Chapier. A éste primer trabajo le sucedieron dos álbumes correspondientes a sesiones de improvisación, que —aunque son piezas interesantes— fueron publicados sin el permiso del artista, que no los consideró representativos de su estilo. Hypothesis, el primero de ellos, es un experimento de jazz electroacústico, y The Dragon, el segundo, se trata de una pieza de rock progresivo con un mayor grado de intencionalidad. En el álbum Earth, de nuevo una pieza progresiva, Vangelis propone una fusión de música rock con folclore mediterráneo, un camino por el que no transitaría en sus siguientes creaciones.

Durante los siguientes años, Vangelis estuvo especialmente ocupado en la composición de varias bandas sonoras para películas independientes (la mexicana ¿No oyes ladrar a los perros?, rebautizada como Ignacio), así como algunas obras tan inspiradas como poco conocidas, sobre todo Fais Que Ton Rêve Sois Plus Long Que La Nuit, un poema sinfónico en dos movimientos sobre las revueltas de mayo de 1968 en París. Destaca en esta época su música para la serie documental L'Apocalypse des Animaux, trabajo enmarcado en una larga lista de colaboraciones con el cineasta Frederic Rossif, y que supuso su primer éxito en listas de ventas como artista en solitario.

Entre los años 1975 y 1980, Vangelis afianzó su particular sonido mediante una serie de álbumes que, en muchos casos, surgen como evolución lógica unos de otros. Heaven and Hell se trata de un disco conceptual con múltiples piezas corales ensambladas en dos largas suites, ofreciendo un sonido cercano al de la música clásica en la primera cara del disco, que concluye con el tema vocal So Long Ago, So Clear, y composiciones más experimentales en la segunda; Albedo 0.39 constituye una de las obras más conocidas de la llamada música cósmica , fluyendo entre pasajes de rock progresivo y movimientos de vanguardia electrónica, y con un sonido más espontáneo y minimalista que el de Heaven and Hell. No en vano, Vangelis se verá a menudo ligado al mundo de la ciencia-ficción, no sólo por esta clase de sonido "espacial" que desarrolla en algunos álbumes, sino también por su participación en Blade Runner, en la serie Cosmos y en un proyecto de la NASA. El autor de 2001, Arthur C. Clarke le agradece, además, su inspiración para la novela 2010: Odisea dos.

A la misma época pertenecen otros álbumes como Beaubourg, hermético, envolvente y extremadamente provocador en su aparente ausencia de melodías o esquemas rítmicos; el comercial Spiral, que contiene el clásico To the Unknown Man junto a otras piezas electrónicas muy versionadas desde entonces, como Dervish D; China y Opera Sauvage, ambos con abundancia de temas cortos y melódicos, fácilmente accesibles para el público general sin que por ello se renuncie a la búsqueda de profundidad artística. De ambos álbumes destacan, entre otros, los temas Himalaya y Rêve. En aquellas fechas, la película de Peter Weir El año que vivimos peligrosamente (The Year of Living Dangerously ), adopta el tema L'Enfant, de Opera Sauvage, como sintonía principal.

En 1980 se edita el álbum See You Later, arriesgada reflexión sobre el convencionalismo de la vida cotidiana en la sociedad actual, abordada en algunos momentos con ademanes satíricos. Este álbum contiene una de las piezas emblemáticas del griego, Memories of Green, que aparecerá de nuevo en la película Blade Runner como parte integrante de su ambientación musical. Este disco, sin embargo, había sido concebido en 1975, antes de que se publicara Heaven and Hell .

La expansión y aceptación de la música de Vangelis a nivel comercial y crítico recibe un gran impulso gracias a la inclusión de varios temas de sus álbumes de los 70 (Heaven and Hell, Ignacio...) en la exitosa serie televisiva Cosmos, un documental sobre el Universo y el origen de la vida en la Tierra creado por Carl Sagan, que ha sido emitido repetidas veces internacionalmente. Desde entonces y hasta el día de hoy, sus temas han sido tomados prestados -o plagiados en ultima instancia- para una infinidad de programas de televisión (informativos, documentales...) de multitud de países, spots publicitarios y actos públicos diversos, contribuyendo todo ello a que los temas de Vangelis resulten extremadamente familiares para el oyente, sin que en muchos casos éste tenga constancia de quién es su compositor.

1980 - 1990: el vinilo y el celuloide

Los 80 comienzan triunfalmente para Vangelis, consiguiendo la estatuílla de la Academia de Hollywood con su banda sonora para Carros de fuego (Chariots of Fire), imponiéndose entre otros a John Williams y su partitura para En busca del arca perdida. El contenido del álbum en cuestión, tal y como sucederá con el resto de sus futuros trabajos para el cine, no guarda una relación estricta con las piezas utilizadas en la película, sino que éstas son reeditadas y reordenadas para crear una obra musical que funcione como disco de estudio, de cara al ámbito comercial. Es más, a menudo se tiene la sensación mientras se visiona la película Carros de fuego, dirigida por Hugh Hudson, de que en ella están efectivamente los temas del álbum, aunque parcialmente reinterpretados. También aparecen en la película temas del griego, como Hymne, compuesto para el seminal Opera Sauvage. En cualquier caso, debe aclararse que en las demás películas musicadas por Vangelis no cabe la menor duda de que los temas utilizados en el montaje se corresponden exactamente con las versiones del álbum, con independencia de que en éste haya temas inéditos o el orden de las piezas varíe.

A partir de este momento, y tal vez temiendo la posibilidad de quedar encasillado como músico de cine, Vangelis decide no publicar comercialmente todos sus trabajos para el séptimo arte, decisión que de hecho solo ha sido quebrantada en contadas ocasiones. Entre los ejemplos de sus bandas sonoras inéditas se encuentran las partituras para las películas Desaparecido (Missing), de Costa Gavras, y Motín a bordo (The Bounty), de Roger Donaldson, todas oficialmente inexistentes como álbumes.

Su siguiente obra para la gran pantalla se convertirá en uno de sus mayores logros, una banda sonora mítica para una película de culto, Blade Runner , de Ridley Scott, grabación que tan solo se publicó en una edición revisada en 1994, si bien las ediciones piratas abundaron en este lapso de tiempo. Esta partitura se caracteriza sobre todo por su fusión entre la música electrónica con sonidos del jazz y el blues, logrando sumarse a la perfección al homenaje al cine negro desde un punto de vista futurista que la película propone. El tema Memories of Green fue reutilizado con posterioridad en otra película de Scott, La sombra del testigo (Someone to Watch Over Me), aunque versionado por otro artista.

El resto de los años 80 están marcados por la alternancia de trabajos muy comerciales con otros más arriesgados, en los que Vangelis amplía sus registros musicales, obteniendo una respuesta irregular por parte de crítica y público. Ejemplos del primer tipo son Antarctica, banda sonora para una exitosa película japonesa, y Direct, grabado para su nueva compañía discográfica, y que presenta un sonido algo más aséptico y despersonalizado, destacándose los temas Elsewhere, Ave, e Intergallactic Radio Station. Al segundo tipo de álbumes corresponden Soil Festivities, con un carácter atmosférico y ambiental, e Invisible Connections, primer disco publicado por el sello alemán de música clásica Deutsche Grammophon de un compositor procedente de la esfera pop, y dominado por el carácter atonal e indescifrable de la música culta contemporánea. A medio camino entre ambas tendencias se encuentra Mask, ambicioso en su sonoridad y accesible, por otra parte, para el público no iniciado. Este álbum influiría decisivamente en algunas de sus grabaciones más conocidas de la siguiente década, especialmente en Mythodea.

Los 80 concluyen para Vangelis, discográficamente hablando, con el álbum The City, obra que explora la combinación de ambientes urbanos con minimalismo electrónico. Este disco fue grabado en Roma, y de su carácter da testimonio la pieza Good to See You, en el que los primeros 23 segundos sólo consisten en ruidos de ciudad. En este trabajo participan con sus voces el director de cine Roman Polanski y su pareja, la actriz Emmanuelle Seigner , con quienes el griego trabajará a continuación en la película Lunas de hiel ( Bitter Moon), banda sonora que tampoco vería la luz, oficialmente, en forma de álbum.

1990 - 2000: solemnidad

En 1992, y tras la tibia acogida de The City (primer trabajo en el sello Warner - East West) Vangelis obtuvo el espaldarazo necesario para continuar en la cima durante la nueva década. Lo consiguió con el gran éxito de su banda sonora para 1492: La conquista del paraíso ( 1492: Conquest of Paradise), (de nuevo junto a Ridley Scott). El tema central, Conquest of Paradise, es una de las piezas más conocidas del músico, tanto que John Williams y Klaus Schulze han grabado sus propias versiones de este movimiento coral.

La celebridad de Conquest of Paradise alcanzó con rapidez el mundo de la publicidad, como había ocurrido en innumerables ocasiones con la música de Vangelis, siendo adoptado este tema por el boxeador Henry Maske para sus propias campañas de imagen.

La colaboración con Ridley Scott en estos años no concluye con la película sobre Colón, sino que el director británico estrenó con posterioridad Blade Runner: el montaje del director, en la que la eliminación de los monólogos de Harrison Ford da mayor notoriedad a la banda sonora. La trascendencia de este reestreno animó a Vangelis a publicar finalmente el álbum con su música original, aprovechando la ocasión para añadir algunos temas descartados en 1982, así como piezas totalmente nuevas que contienen fragmentos de diálogos entre los personajes. En la portada de Blade Runner no se especifica que se trate de la música original de la película, y esto es un ejercicio de objetividad por parte del griego, pues el álbum en su conjunto se puede entender más como una obra conceptual que como una banda sonora al uso. Ciertamente, y aunque los temas clásicos de la película son respetados escrupulosamente (no son retocados ni regrabados), los cortes del disco van ligados unos a otros, como ya venía siendo costumbre en las obras de Vangelis. En adelante, y aunque Vangelis y Scott no han vuelto a coincidir en un mismo proyecto, el director ha contado habitualmente con Hans Zimmer para sus bandas sonoras, un músico que, considerando su estilo compositivo, podría tener a Vangelis entre sus más importantes influencias creativas.

Los 90 suponen para el artista un mayor acercamiento a los esquemas compositivos y la gravedad de la tradición clásica, sin insistir tanto en la creación de música experimental como lo hiciese en décadas anteriores. El disco Voices explora las diferentes posibilidades sonoras de la voz humana, desde el himno pseudo-comunista Voices hasta un tema pop junto a Paul Young. Las letras de los tres temas cantados fueron escritas por los propios vocalistas: Caroline Lavelle, Stina Nordenstam y el mencionado Paul Young. Oceanic, por otra parte, es un disco conceptual sobre los océanos, inspirado por las películas de nadadoras de los años 50. Es difícil calificarlo como un trabajo arriesgado, si bien es cierto que cosechó un aceptable éxito comercial y crítico entre los seguidores de la música New Age. Su siguiente álbum, basado casi íntegramente en una edición limitada de 3000 ejemplares para coleccionistas que se había publicado en 1995, se trata de El Greco, probablemente uno de los más conseguidos de su discografía. El Greco es un tributo al genio del manierismo y a los sobrios ambientes religiosos y palaciegos de su época, capturando mediante diez movimientos el personal universo creativo del pintor cretense. Los movimientos III, V y VII, los relativamente más cálidos del disco, no corresponden a la partitura original del 95, sino que fueron añadidos en 1998.

Coincidiendo con la publicación del álbum Oceanic, aparece en Internet la que iba a convertirse en página web oficial del músico, www.vangelisworld.com, que sin embargo nunca llega a quedar terminada.

El nuevo siglo

En 2001, la NASA se pone en contacto con Vangelis para encargarle la composición de un tema que sirva de himno para la misión no tripulada a Marte 2001: Mars Odyssey. El encargo deriva en el álbum Mythodea, en parte basado en una obra anterior del artista no publicada. Mythodea es presentado en directo en Atenas, y el evento supone la primera edición de una obra de Vangelis -poco pródigo en conciertos, por otra parte- en formato DVD. En 2002 se publica el single con el himno oficial de la Copa del mundo de la FIFA de Corea y Japón, compuesto e interpretado por el artista.

Hubo también ciertos rumores sobre la participación de Vangelis en la música de la película Matrix Reloaded, según los cuales el músico y los productores no se pusieron de acuerdo respecto a las condiciones para la colaboración. No se sabe si Vangelis había creado temas originales para la película o si se pensaban utilizar temas clásicos de sus álbumes, aunque finalmente el músico se desligó totalmente del proyecto.

En 2005 sale al mercado la banda sonora original de Alejandro Magno ( Alexander), de Oliver Stone, un trabajo muy ambicioso en el que el sonido de Vangelis se mezcla con el de una orquesta sinfónica completa, y que obtiene una gran aceptación crítica. En la actualidad, Vangelis ha completado la banda sonora de El Greco, una producción europea del director Yannis Smaragdis, con quien el músico ya ha trabajado anteriormente en la película Cavafy.

Su último trabajo hasta la fecha es un disco en homenaje a Blade Runner en el 25 aniversario de su estreno, y coincidiendo con el reestreno en cine y DVD de su versión definitiva (la quinta). El disco amplía el universo musical de la película con temas en los que colaboran Roman Polanski, Oliver Stone y Ridley Scott, entre otros personajes del mundo de la cultura y la política internacional. El nuevo álbum de Vangelis forma parte de un estuche titulado Blade Runner Trilogy, y contiene también el álbum Blade Runner de 1994, junto a un tercer disco con temas de la película nunca publicados oficialmente.

Las colaboraciones

Son de destacar las muchas colaboraciones de Vangelis con otros artistas de renombre (además de los ya mencionados). Las más importantes son las que llevó a cabo junto a Jon Anderson, vocalista de la banda de rock Yes (que estuvo a punto de contratarlo como teclista, en sustitución de Rick Wakeman), integrando el dúo Jon and Vangelis. Esta formación es responsable de los álbumes Short Stories, The Friends of Mr. Cairo, Private Collection y Page of Life. Anderson también aparece como invitado en el tema So Long Ago, So Clear, incluido en Heaven and Hell, y en Opera Sauvage, en cuyo tema final interpreta el arpa. Dichas colaboraciones incluyen asimismo a Demis Roussos y al saxofonista de jazz británico Dick Morrissey, colaborador habitual tanto de Anderson como de Vangelis, y notablemente en el popular Blade Runner Love Theme.

Igualmente, Vangelis formó un dúo con la cantante y actriz Irene Papas, editando junto a ella los álbumes Odes y Rapsodies, ambos dedicados a recuperar para la modernidad las sonoridades del folclore tradicional helénico, si bien el segundo de estos trabajos se centra más concretamente en aspectos de la tradición cristiana griega.

Vangelis ha colaborado también con Montserrat Caballé, Vanessa Mae, Caroline Lavelle, Demis Roussos, Melina Mercouri, Suzanne Ciani, Claudio Baglioni, Mariangela, Stina Nordenstam, Michael Hoppé, Richard Anthony, Michel Huygen y Milva, y hasta con el actor Sean Connery, que en el single Ithaca recita el poema homónimo de Cavafis.

En cuanto a sus colaboraciones fuera del ámbito puramente discográfico, podemos mencionar la música que compuso para una ambiciosa producción cinematográfica de animación en 3D creada por el artista francés Jean Giraud / Moebius, inspirada en su personaje Arzak . Diferentes circunstancias llevaron a la suspensión del proyecto, aunque los tramos de película que ya estaban completos se han dado a conocer en los medios a modo de cortometraje, incluyendo éste como banda sonora un tema original del músico de Volos.

Discografía

Para más detalles, ver: Discografía de Vangelis.

Enlaces Externos

* Vangelis: Artista de Música New Age (en español)
* Vangelis MOVEMENTS (en inglés)
* Lyrics Of Music By Vangelis (en inglés)
* Foro de musica electrónica en castellano
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