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Scorpions - Wind of Change

Music video of one of the best songs ever "Wind of Change", performed by "Scorpions", the hard rock/ heavy metal band from Hannover, Germany.

The song muses on the socio-political changes that were occurring in Eastern Europe and in other parts of the world at the end of the Cold War.
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Música y vídeo de una de las mejores canciones de la historia "Cambio de Viento", realizado por "Scorpions", el hard rock / metal pesado banda de Hannover, Alemania.
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Las musas de la canción de los cambios sociopolíticos que se están produciendo en Europa oriental y en otras partes del mundo al final de la Guerra Fría.
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Scorpions

De Wikipedia, la enciclopedia libre

Scorpions
Información general
Origen Hannover, Alemania
Género(s) Hard rock
Heavy metal
Rock progresivo
Tiempo 1969 – actualidad
Discográfica(s) Rhino
RCA
Mercury
EMI
Atlantic
WEA
BMG
Sitio web www.the-scorpions.com
Miembros
Klaus Meine
Matthias Jabs
Rudolf Schenker
James Kottak
Paweł Mąciwoda

Scorpions, banda alemana de Hard rock y Heavy metal fundada en Hannover en el año 1965. Famosa por canciones como Rock You Like a Hurricane , No one like you y baladas como Still Loving You , Wind of Change.

Historia [editar]

Inicios [editar]

Fundada en 1965 por el guitarrista Rudolf Schenker, aunque el año oficial en que se fundó es 1969 cuando el hermano pequeño de Rudolf, Michael Schenker, y Klaus Meine entraron en la banda. En 1971 sacaron su primer disco, "Lonesome Crow". Este disco los hizo participar como teloneros de la banda británica llamada "UFO". Tras esta misma gira, Michael Schenker se unió a "UFO" como guitarrista. Con esto Rudolf y Klaus reorganizaron nuevamente a la banda integrando a Francis Buchholz en bajo, Uli Jon Roth en guitarra y Juergen Rosenthal en la batería. "Lonesome Crow" tiene un sonido simple y evolutivo. La banda comienza a buscar un rumbo musical más definido. El sonido peculiar de Ulrich Roth marcó el sonido del grupo durante los siguientes años, en los que editaron discos tan notables como "In Trance" , este álbum fue lanzado en marzo de el año 1975. Este disco es considerado su primer trabajo musical consagrado. Scorpions lo lograba, conseguía que el éxito los iluminara. Fuera de lo músical, "In Trance", estuvo marcado por la polémica, ya que en su caratula aparece una modelo desnuda encima de una guitarra électrica mostrando un pecho descubierto. Se hicieron lanzamientos posteriores que mostraban a la misma modelo, aunque esta vez, su cuerpo esta tapado completamente por sombras. Esta sería la primera de muchas otras caratulas que le han sido sido censuradas a Scorpions. Los temas más representativos son "Dark Lady", "Robot Man" y "Evening Wind".

En 1976 lanzarían "Virgin Killer" disco cuya portada fue censurada debido a que en este aparecía una niña desnuda. La carátula fue remplazada por una donde aparecían los miembros de la banda.

Madurez y exito comercial [editar]

Scorpions hizo numerosas giras en Europa y llegaron a Japón en 1978, donde dejaron registrado el directo Tokyo Tapes, último disco que grabaría Uli Jon Roth en el grupo, que ya empezaba a tener diferencias musicales respecto a la línea que tomaban cara al futuro impulsada por el recién ingresado Herman Rarebell, nuevo batería que sería parte importante en un cambio de línea en Scorpions, que tendiendo a un sonido más comercial no dejaba nada satisfecho a Roth el cual siempre manifestó su disconformidad con el tema "He's a woman, she's a man" tanto en lo musical como en su letra. Roth Fue reemplazado por Matthias Jabs. Su primer concierto en América tuvo lugar en un gran festival en Cleveland, Ohio, Estados Unidos en 1979. La banda tuvo un progreso importante entre 1979 y 1983 con los álbumes Lovedrive, este álbum fue lanzado el 25 de febrero de el año 1979. Este disco marcaría dos acontecimientos en la banda...el primero sería el debut del guitarrista Matthias Jabs, quien entra en reemplazo de Uli Roth; lo segundo se centra en el progreso músical de Scorpions, aqui podemos destacar la colaboración del guitarrista Michael Schenker. El diseño de la caratula también causó algo de controversía que, incluso, pudo detener el lanzamiento del disco. Las ediciones posteriores de "Lovedrive" muestra un diseño simple...el logo de la banda en color azul y un fondo negro. Los temas más representativos son "Loving You Sunday Morning" y "Always Somewhere".

Animal Magnetism, este álbum fue lanzado el 31 de marzo de el año 1980. Este disco consagra con gran éxito a Scorpions...aunque los premios que mereció ganar en su momento, fueron entregados algunos años después, en 1984 fue disco de oro y en 1991 disco de platino. Los temas más representativos son "Twentieth Century Man", "Falling in Love", "The Zoo" y "Animal Magnetism". Scorpions esta cada vez más cerca de la consagración musical...su nombre comienza a escribirse con letras doradas en la biblia del Rock. y Blackout , en el cual se demostro su gran calidad para combinar el ritmo Hard rock con explosividad del metal, Blackout" los inmortaliza en la historia del Rock, además de nombrarlos como icono y exponente directo del Heavy Metal. Aqui aparece el primer éxito rotundo de la banda...hablamos del temazo "No One Like You". La realización de este disco no fue nada fácil, ya que su vocalista, Klaus Meine, tuvo problemas con sus cuerdas vocales...estos problemas fueron tan graves que pensó en retirarse de la banda. Luego de dos éxitosas cirugias y un trabajo vocal metodico, Klaus retoma nuevamente su liderazgo como voz indiscutida de los Escorpiones. En el año 1982 este trabajo musical se transformó en disco de oro y en el año 1984 fue disco de platino. La portada de "Blackout" es obra del destacado artista Gottfried Helnwein. Los temas más representativos son el temazo "No One Like You" y el Rockero "Blackout".

Sin embargo, fue el álbum de 1984 Love at First Sting, el que finalmente aseguró a la banda una visibilidad comercial masiva entre la audiencia norteamericana. Reforzados con el éxito del single "Rock You Like A Hurricane" y sobre todo la balada " Still loving you ", Scorpions asumió un papel primordial en el mundo del heavy metal. EL Savage Amusement fue lanzado el 16 de abril de el año 1988. Con el éxito y la consagración en sus manos, Scorpions, se da el lujo de experimentar en este disco diversos géneros musicales, de los cuales podemos encontrar...Heavy Metal, Baladas Rockeras, Rock Progresivo e incluso Danza. "Savage Amusemente" tuvo gran éxito en E.E.U.U., pais en donde fue disco de platino. El tema más representativo es "Rhythm of Love". Crazy World fue lanzado el 6 de noviembre de el año 1990. Nuevamente el éxito le llueve a la banda, este disco se transformó en un verdadero clásico de clásicos. "Crazy World" es considerado uno de los trabajos musicales más importantes de todos los tiempos....es realmente impresionante, Scorpions se tranaformaba en un diluvio de creatividad. Los temas más representativos son el tema "Wind of Change" y "Send Me an Angel". La banda gozó de un alto grado de éxitos a lo largo de la década de los noventa gracias al álbum Crazy World y el single "Wind of Change." La canción habla de los cambios socio-políticos que entonces estaban ocurriendo en la Europa del Este al final de la Guerra Fría.

Decadencia y experimentacion [editar]

En 1992 el bajista Francis Buchholz fue despedido de la banda siendo reemplazado con Ralph Rieckerman, estrenándose en Agosto de 1993 con "Face the Heat". Tras ello salió un directo para respirar a clásicos otra vez: "Live Bites" (1988-95), que incluía 3 temas nuevos también. Y en 1996 se lanzó "Pure Instinct" que siguió por el mismo camino. A estas alturas el batería Herman Rarebell había abandonado también el grupo siendo sustituido por James Kottak.

En el año 2000 la banda publicó un disco que combinaba el rock de Scorpions con una orquesta de música clásica. Bajo el título de "Berliner Philarmoniker - Moment of Glory" se fusionaron las canciones clásicas de Scorpions con los sonidos de la Orquesta Filarmónica de Berlín, considerada una de las mejores del mundo. El tema "Moment Of Glory" presente en este disco fue el himno oficial de la Expo 2000 de Hannover, ciudad natal de Scorpions. Dentro de esta época de cierta decadencia éste es su trabajo más destacable.

En 2001 el grupo continuó experimentando y lanzó "Acoustica", un disco "unplugged" grabado en el marco del Convento do Beato, en Lisboa.

Renacimiento de lo clasico [editar]

En 2004 lanzan el álbum "Unbreakable" que fue un intencionado retorno a su sonido más popular y exitoso de los ochenta. Sin embargo el disco Humanity Hour 1 (2007) vuelve a evolucionar un paso más no quedándose estancado en el sonido que les dio tanta fama. EL álbum fue lanzado en mayo de el año 2007. Este disco de Scorpions que viene completamente cargado de puro Rock. "Humanity-Hour 1" y "Unbreakable" estan realizados por la siguiente formación de la banda: Klaus Meine en voz, los guitarristas Matthias Jabs y Rudolf Schenker, Pawel Maciwoda al bajo y finalmente por el baterista James Kottak. El tema más representativo es "Humanity".

A pesar del hecho que Scorpions tocó por primera vez en Albania en el verano del 2000, a inicios de los noventa el término scorpions nació en ese país para describir a la juventud con corte de pelo a la moda y con gustos musicales modernos.

Componentes [editar]

Miembros actuales [editar]

Cronología [editar]

1966-1972
1973-1977
1978-1992
1993-2005
  • Klaus Meine (vocal)
  • Rudolf Schenker (guitarra)
  • Matthias Jabs (guitarra)
  • Ralph Rieckermann (bajo)
  • Herman Rarebell (batería)
  • Curt Cress (batería)
  • Ken Taylor (bajo)
  • James Kottak (batería)
  • Paweł Mąciwoda (bajo)

Discografía [editar]

Álbumes [editar]

Recopilatorios [editar]

  • The Best of Scorpions Vol. I (1984)
  • The Best of Scorpions Vol. II (1984)
  • Still Loving You (1 EP : 1 Single) (1984)
  • Best of punkers 'n' Ballads (1989)
  • Deadly Sting: The Mercury Years (1997)
  • 20th Century Masters: The Best of Scorpions (The Millennium Collection) (2001)
  • Classic Bites (2002)
  • Bad For Good: The Very Best Of Scorpions (2002)
  • Box Of Scorpions (2004)
  • Gold (2006)

Vídeos y DVDs [editar]

  • First Sting (VHS, 1985)
  • World Wide Live (VHS, 1985)
  • To Russia With Love And Other Savage Amusements (VHS, 1988; DVD, 2003)
  • Crazy World Tour Live (VHS, (1991; DVD, 2002)
  • Moment of Glory (con la Berliner Philharmoniker) (DVD, 2001)
  • Acoustica (DVD, 2001)
  • A Savage Crazy World (DVD, 2002)
  • Rock You Like A Hurricane (DVD, 2003)
  • Unbreakable World Tour 2004: One Night in Vienna (DVD, 2005)

Véase también [editar]

Enlaces externos [editar]

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Dire Straits - Why Worry

Dire Straits - Why Worry




The Everly Brothers - Why Worry



"Why Worry Now" Mark Knopfler and Emmylou Harris

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Charles Aznavour Venezia Sin Ti




Charles Aznavour

De Wikipedia, la enciclopedia libre

Charles Aznavour en Yerevan
Charles Aznavour en Yerevan

Charles Aznavour (22 de mayo de 1924) es un cantante, compositor y actor francés de origen armenio. Se trata de uno de los cantantes franceses más populares y de carrera más extensa, y el más conocido internacionalmente; ha vendido más de 100 millones de discos. [1] Aznavour es conocido por críticos y admiradores con el apodo de "Charles Aznavoice".

Tabla de contenidos

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Biografía [editar]

Nacido como Chahnour Varinag Aznavourian en París, es hijo de emigrantes armenios. A edad muy temprana, sus propios padres, artistas, le introdujeron en el mundo del teatro.

Empezó su carrera de actor a los nueve años y pronto adaptó su apellido como Aznavour. Su primer éxito fue ser conocido por la cantante Édith Piaf que, tras escucharlo, lo llevó consigo a una gira por Francia y Estados Unidos.

Descrito con frecuencia como el "Frank Sinatra de Francia", casi todo el repertorio de Aznavour tiene que ver con el amor. Ha escrito más de mil canciones así como varios musicales, ha grabado cientos de temas y ha aparecido en sesenta películas.

Aznavour canta en siete idiomas (francés, inglés, italiano, castellano, alemán, ruso y armenio), lo que le ha ayudado a cantar en el Carnegie Hall y otros grandes escenarios de todo el mundo.

En los años setenta Aznavour alcanzó un gran éxito en el Reino Unido con la canción "She", llegando al número uno en las listas. Otra canción exitosa fue "Dance in the Old Fashioned Way".

Gran amigo de Quebec, ha ayudado a la cantante y compositora originaria de esa ciudad Lynda Lemay a desarrollar su carrera en Francia.

Desde el terremoto en Armenia de 1988, Aznavour ha ayudado al país con muestras de caridad. Una plaza lleva su nombre en Ereván central en la calle Abovian. Aznavour es miembro de la Armenia Fund International Board of Trustees. La organización ha dado millones de dólares en ayuda humanitaria y de infraestructuras para Armenia desde 1992.

Charles Aznavour fue condecorado con el grado de "Oficial" de la Legión de honor en 1997.

Hace un par de años Aznavour dijo (repudiando al gobierno turco): "si no hubiese ocurrido el genocidio a los armenios, hoy sería un cantante famoso turco".

Carrera cinematográfica [editar]

Aznavour ha desarrollado una larga y variada carrera como actor en paralelo a su carrera como cantante, apareciendo en unas sesenta películas. En 1960 Aznavour protagonizó la película de François Truffaut Tirez sur le pianiste, interpretando al personaje de Édouard Saroyan. Ha sido especialmente reconocida su interpretación en la película de 1974 And Then There Were None. Aznavour protagonizó también la película de 2002 Ararat interpretando a Edward Saroyan, un director de cine.

En 1963 filmó "Ratas de América". Parte de la película se rodó en el Paraguay. País en el que se quedó más tiempo del necesario, ya que la productora había quedado sin recursos económicos. Quienes lo vimos durante muchas semanas caminando por Asunción jamás imaginamos que pocos años después sería uno de los más famosos cantantes populares franceses.

Aznavour personificó a Sigismund Markus para la versión cinematográfica del clásico de Gunter Grass, "El tambor de hojalata", dirigida por Volker Schlöndorff en 1979. En la cinta, el cantante interpretó a un judío dueño de la juguetería donde el protagonista esperaba a su madre, mientras estaba en sus citas románticas cladestinas. El personaje fue asesinado en su lugar de trabajo, durante la persecución nazi.

Premios y reconocimientos [editar]

Enlaces externos [editar]

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Mike Oldfield - Incantations - Space Movie (2/2)

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¿ Que es la MUSICA FABRICADA ?

Música electrónica

Música electrónica es un genero musical amplio que abarca a aquellas músicas fabricadas a base de sonidos creados mediante el uso de equipo electrónico. Cualquier sonido generado por medio de una señal eléctrica (como una guitarra eléctrica, e incluso los micrófonos, amplificadores y altavoces) podría ser correctamente llamado electrónico, pero el uso común de sus técnicas de creación ha restringido este término exclusivamente para la música generada por máquinas electrónicas concebidas para crear sonidos (sintetizadores, samplers -muestreadores-, computadoras y máquinas de ritmo -beatboxes-, etc), todos ellos de naturaleza analógica o digital.

También se le puede llamar música electrónica a la música creada con microcomputadoras, debido a que existe software que digitaliza, manipula y procesa los sonidos, en contraposición a los sintetizadores analógicos que usan hardware eléctrónico para manipular las señales sonoras. Recientemente se ha comenzado a utilizar sintetizadores de software que se han diseñado específicamente para "emular" el sonido de los instrumentos analógicos y digitales más valorados.

El concepto de música electrónica da cabida tanto a variedades experimentales y obras académicas como a estilos populares, producciones dance y géneros comerciales.

En este artículo sólo se describirá la música electrónica popular. En otro artículo se trata la música académica electrónica.


Historia [editar]

Años sesenta [editar]

Actuación en directo utilizando diversos instrumentos electrónicos
Actuación en directo utilizando diversos instrumentos electrónicos

Aunque la música electrónica comenzó dentro del ámbito de la música académica (mal llamada «música clásica»), en pocos años fue adoptada en la cultura popular.

En el Taller Radiofónico (unidad de efectos especiales de sonido de la BBC), Ron Grainer y Delia Derbyshire crearon en 1963 una de las primeras melodías electrónicas: el tema musical de la serie de televisión Doctor Who (1963-1989).

A fines de los años cincuenta, el trombonista Paul Tannen y el inventor amateur Bob Whitsell habían producido el electroteremín, un instrumento que imitaba el timbre del teremín (instrumento extraordinariamente difícil de tocar, ya que no utilizaba un teclado para generar los tonos) pero con un mecanismo de control más sencillo de usar. Tanner tocó su instrumento en varias bandas de sonido para cine y televisión, y en un LP llamado Music from Outer Space (música del espacio exterior). También tocó tres temas en el disco Good Vibrations de The Beach Boys (1966).

La compositora y clavecinista Wendy Carlos (en esa época llamada Walter Carlos) popularizó el uso del sintetizador con dos notables álbumes: Bach enchufado (1968) y El sintetizador bien temperado (1969), que tomaba piezas reconocidas de la música barroca y las reproducía con el recién inventado sintetizador Moog. El Moog era monofónico (o sea que generaba sólo una nota a la vez: no podía producir acordes) por lo que para producir obras polifónicas tal como las que grabó Carlos, se requirieron muchísimas horas de grabación en estudio.

Se conoce la anécdota de que los amateurs que oían el disco, creían que el sintetizador Moog permitía grabar una línea melódica con un timbre y luego grabar otra melodía con otro timbre, adicionándola a los timbres anteriores (un principio que luego utilizaría el secuenciador).

Rock [editar]

Esos primeros sintetizadores eran notoriamente inestables y se desafinaban con facilidad. Aun así, algunos teclistas, como Keith Emerson (de Emerson, Lake and Palmer) los utilizaban en sus recitales.

También el melotrón aparece en Strawberry Fields Forever de The Beatles. Y el pedal de tono de volumen fue usado de manera artística como instrumento de base en Yes It Is.

Moog no fue el único inventor de sintetizadores. En la costa oeste de EE.UU., Donald Buchla desarrolló sintetizadores que —al contrario que el Moog— no se basaban en un teclado.

A medida que se desarrolló la tecnología, los sintetizadores se volvieron más baratos, robustos y portátiles, y fueron adoptados por muchas bandas de rock. Ejemplos de los primeros grupos que adoptaron sintetizadores fueron The United States of America, The Silver Apples y Pink Floyd. Aunque no toda su música era electrónica (con la destacada excepción de los Silver Apples), buena parte del sonido resultante dependía del sintetizador. El uso de los medios electrónicos se volvió tan cliché que a mediados de los setenta, el grupo británico Queen ponía un aviso en sus álbumes, que decía «¡Sin sintetizadores!».

Sobre todo en la corriente de rock experimental del llamado kraut rock alemán, pero también en el art rock inglés los elementos electrónicos tenían gran importancia.

Alemania [editar]

La popularidad llegó con los trabajos de la banda alemana Kraftwerk, que surgió de la corriente del krautrock. Pero a partir de su disco Autobahn (1974) se empezó a fusionar el pop minimalista con la música electrónica. Entre 1974 y 1981, la banda desarrolló su estilo, que después fue denominado Electro y tuvo características bailables. Utilizaban la electrónica y la robótica para simbolizar (y a veces celebrar jubilosamente) la alienación del mundo tecnológico moderno. Hasta el día de hoy su música permaneció absolutamente electrónica.

En Alemania, bandas tales como Tangerine Dream, Can, Neu! y otros incorporaron los sonidos particularmente electrónicos a sus temas.

La música de Kraftwerk tuvo gran influencia en Estados Unidos, donde a principios de los años ochenta, surgió la música house, que fue, a grandes rasgos, un estilo más minimalista y electrónico de la música disco de los años setenta.

Sampleadores y synth pop [editar]

Artículo principal: Synth pop

A fines de los años setenta y comienzos de los ochenta, los sintetizadores analógicos dieron paso a los digitales y a los sampleadores. Los primeros sampleadores eran excesivamente costosos. Empresas como Fairlight y New England Digital vendían instrumentos que costaban más de 100.000 dólares. A mediados de los ochenta, esto cambió con el desarrollo de sampleadores económicos.

Desde fines de los años setenta, grupos como Gary Numan, Heaven 17, Eurythmics, Severed Heads, The Human League, Yazoo, The Art of Noise, Orchestral Manoeuvres in the Dark, Depeche Mode y New Order desarrollaron maneras completamente nuevas de hacer música popular con medios electrónicos. En la música New Wave, el grupo Fad Gadget se cita como el padre del uso de lo electrónico.

Años ochenta [editar]

Mezclas del estilo electro con el house generaron, a mediados de los ochenta, la música techno (en Detroit, Michigan, EE.UU.) y la house (en Chicago, Illinois).

La gran popularidad de la música electrónica llegó a fines de los años ochenta, cuando también en Europa productores y DJs empezaban a producir temas de techno y acid. Esta corriente estaba influenciada desde varias ramas del pop como la EBM y el electro pop de formaciones como Depeche Mode, lo que generó nuevas ramas dentro de la música electrónica, como el trance y el dance europeo.

El desarrollo del sonido techno en Detroit y la house music en Chicago desde principios a finales de los ochenta y el posterior movimiento británico de acid house de fines de los ochenta a principios de los noventa, todos empujaron el desarrollo y aceptación de la música electrónica e introdujeron la música dance en las discotecas. La composición electrónica puede crear ritmos más rápidos y más inhumanamente precisos que lo que se puede utilizando percusión tradicional. La música dance a veces presenta sonidos de instrumentos tradicionales y voces (samples o ‘muestras’) alterados electrónicamente.

La caída de los precios en los equipos electrónicos ha hecho que la música popular los haya adoptado cada vez más. Artistas como Madonna ,Björk y Moby han popularizado variantes de esta forma de música.

Música industrial [editar]

Artículo principal: Música industrial

La habilidad natural de las máquinas para hacer ruidos estocásticos, inarmónicos, de estática llevó a un género de música conocido como música industrial tal como Throbbing Gristle (que comenzó a trabajar en 1975), Wavestar y Cabaret Voltaire.

Algunos artistas, como Nine Inch Nails, KMFDM, Marilyn Manson y Severed Heads, tomaron algunas de las aventuradas innovaciones de la musique concrète y las aplicaron a la música dance mecánica y a las guitarras de metal. Otros, como Test Department, Einstürzende Neubauten, tomaron este nuevo sonido y crearon composiciones electrónicas infernales. Mientras tanto otros grupos (Robert Rich, zoviet*france:, rapoon) tomaron estos timbres destemplados y los fundieron en paisajes sonoros más evocativos. Y aun otros (Front 242, Skinny Puppy) combinaron esa aspereza con sonidos más bailables y pop, formando la música corporal electrónica (EBM o Electronic Body Music).

Aliados con el interés creciente en la música electrónica e industrial, se encuentran artistas que trabajaron en el ámbito de la música dub. Notable en esta área está el productor Adrian Sherwood, cuya discográfica On-U Sound en los años ochenta fue responsable de integrar la estética industrial y del ruido con la producción de cinta y dub, con artistas tales como el industrial-funk Tackhead, el vocalista Mark Stewart y otros. Esto allanó el camino para el interés en los años noventa por el dub, primero a través de bandas tales como Meat Beat Manifesto y luego para los productores de downtempo y trip hop como Kruder & Dorfmeister.

Jazz electrónico [editar]

En jazz, los instrumentos acústicos amplificados y los sintetizadores se combinaron en una serie de importantes grabaciones del grupo Weather Report. Joe Zawinul, el tecladista del grupo, ha continuado produciendo música de este tipo. El notable pianista de jazz Herbie Hancock con la banda The Headhunters (‘los cazadores de cabezas’) en los años setenta también introdujo a los oyentes de jazz en una amplísima paleta de sonidos electrónicos, que más adelante exploró con más entusiasmo en su disco Future Shock, una colaboración con el productor de música Bill Laswell en los ochenta, que engendró el éxito pop Rockit en 1983.

Músicos como Tangerine Dream, Brian Eno, Vangelis, Jean Michel Jarre, Klaus Schulze, Ray Buttigieg y los japoneses Kitaro e Isao Tomita también popularizaron el sonido electrónico. La industria del cine también utilizó largamente la música electrónica en películas. Un ejemplo es la banda de sonido de Wendy Carlos en A Clockwork Orange (La naranja mecánica, el filme de Stanley Kubrick sobre la novela de Anthony Burgess).

La banda de sonido de Forbidden Planet (El planeta prohibido), de Louis y Bebe Barron, había usado sonido electrónico (aunque no sintetizadores) en 1956.

Una vez que los sonidos electrónicos se volvieron más comunes en las grabaciones populares, otras películas de ciencia ficción, como Blade Runner y la serie Alien empezaron a depender fuertemente en el uso de música electrónica y de efectos derivados, para generar el ambiente y la modalidad terrorífica. Los grupos de música electrónica fueron contratados para producir bandas sonoras.

Años noventa [editar]

En los años noventa, la música electrónica conquistó prácticamente todo el mundo. Desde varios países se incorporaron elementos nuevos, como es el caso del jungle inglés que se basa en ritmos complejos derivados de la música caribeña, como el dub o el nortec, derivado de la música tradicional mexicana y la electrónica.

A finales de los años noventa, fueron naciendo nuevos géneros como el Tribal derivado de sonidos tribales y percusiones. También se popularizaron más géneros como el progressive y el deep house.

En la actualidad, la música electrónica está consolidada en todo el mundo, teniendo millones de seguidores que disfrutan con los sonidos creados por artistas que utilizan máquinas y computadoras.


Artistas [editar]

Algunos de los exponentes mas famosos en el mundo de la música electrónica son: Hernan Cattaneo, Ferry Corsten, DJ Tiësto, Paul van Dyk, Armin van Buuren, Carl Cox, David Guetta, Armand van Helden, Daft Punk, The Chemical Brothers, Markus Schulz, Axwell, Steve Angello, Benny Benassi, Crash & Tiny ,AmebA,Björk, DJ KRL, y Deslet .

Véase también [editar]

Enlaces externos [editar]

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Música académica electrónica


Música electrónica es un género musical amplio para definir a la música creada mediante el uso de equipo electrónico. Cualquier sonido generado por medio de una señal eléctrica (como una guitarra eléctrica, o incluso los micrófonos, amplificadores y altavoces) podría ser correctamente llamado electrónico; empero el uso ha restringido este término exclusivamente para la música generada por sintetizadores, sampleadores (samplers), computadoras y máquinas de ritmo.

El concepto de música electrónica da cabida tanto a variedades experimentales y obras académicas como a estilos populares, producciones dance y géneros comerciales.

En este artículo sólo se describirá la música académica electrónica, mal llamada música clásica electrónica. En otro artículo se trata la música electrónica popular.

En el marco de la música académica, la música electrónica es la que utiliza puramente medios electrónicos para producir sonidos. Los compositores empezaron a aprovechar los avances tecnológicos de comienzos del siglo XX.

El primer instrumento puramente electrónico fue el telearmonio (o telharmonium), inventado por Thaddeus Cahill en 1897. Un inconveniente muy simple impidió la adopción popular del telearmonio: tenía el tamaño de un automóvil y pesaba siete toneladas.

El primer instrumento electrónico práctico fue el teremín, inventado por el profesor Lev Theremin entre 1919 y 1920.

Otro primitivo instrumento electrónico fueron las ondas Martenot, que Olivier Messiaen utilizó en la sinfonía Turanga Līlā (‘los pasatiempos de la mente’ en sánscrito) y otros compositores (principalmente franceses, como André Jolivet) usaron en sus obras.

El fascista Manifiesto futurista de Marinetti (1910) poseía postulados que rápidamente se extenderían al mundo de la música (y de otras disciplinas artísticas), tal como lo reflejaron pioneros como Luigi Russolo, Edgar Varèse, Mauricio Kagel, Joe Meek, Martenot y muchos otros.

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Música electroacústica

De Wikipedia, la enciclopedia libre

La música electroacústica comienza a despuntar en los años inmediatamente posteriores a la Segunda Guerra Mundial, gracias al notable avance de la electrónica y su aplicación a diversos ámbitos científicos. Surgió como posición unificadora entre la música electrónica que se venía haciendo en Colonia (Alemania) durante los años cincuenta (la cual usaba prácticamente sólo sonidos generados electrónicamente) y la música concreta, aunque poco a poco se fue convirtiendo en un término general que agrupa ahora a la electrónica en vivo, la tape music (música en cinta), y cualquier otra música o tendencia que pueda combinar sonidos del entorno acústico natural, sean convencionalmente musicales o no, con otros generados de manera electrónica mediante osciladores, generadores de onda, computadoras, etc. Cuando se utilizan exclusivamente sistemas digitales también se denomina música cibernética.

Una de sus características es que esta música se elabora principalmente en los estudios y laboratorios y en la práctica elimina a los intérpretes.

Gran parte de la música de vanguardia pertenece a esta corriente, por lo que no es extraño encontrar en los conservatorios de música, laboratorios electroacústicos y espacios dedicados a la composición por medios informáticos.

Algunos compositores que han cultivado este estilo son:

Véase también música experimental

Lista de compositores hispanoparlantes [editar]

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