PULSAR   1  de arriba para cerrar pestaña

150 ultimas

X FECHAS

varios


PULSAR   1  de arriba para cerrar pestaña


PULSAR   1  de arriba para cerrar pestaña

x Orden alfabetico

ENLACES

***********************************


PULSAR   1  de arriba para cerrar pestaña


PULSAR   1  de arriba para cerrar pestaña

+VISTAS


PULSAR   1  de arriba para cerrar pestaña

varios


Contador Gratis
relojes para blogger html clock for websites contador de usuarios online
PULSAR   1  de arriba para cerrar pestaña

¿ Que es la MUSICA FABRICADA ?

Música electrónica

Música electrónica es un genero musical amplio que abarca a aquellas músicas fabricadas a base de sonidos creados mediante el uso de equipo electrónico. Cualquier sonido generado por medio de una señal eléctrica (como una guitarra eléctrica, e incluso los micrófonos, amplificadores y altavoces) podría ser correctamente llamado electrónico, pero el uso común de sus técnicas de creación ha restringido este término exclusivamente para la música generada por máquinas electrónicas concebidas para crear sonidos (sintetizadores, samplers -muestreadores-, computadoras y máquinas de ritmo -beatboxes-, etc), todos ellos de naturaleza analógica o digital.

También se le puede llamar música electrónica a la música creada con microcomputadoras, debido a que existe software que digitaliza, manipula y procesa los sonidos, en contraposición a los sintetizadores analógicos que usan hardware eléctrónico para manipular las señales sonoras. Recientemente se ha comenzado a utilizar sintetizadores de software que se han diseñado específicamente para "emular" el sonido de los instrumentos analógicos y digitales más valorados.

El concepto de música electrónica da cabida tanto a variedades experimentales y obras académicas como a estilos populares, producciones dance y géneros comerciales.

En este artículo sólo se describirá la música electrónica popular. En otro artículo se trata la música académica electrónica.


Historia [editar]

Años sesenta [editar]

Actuación en directo utilizando diversos instrumentos electrónicos
Actuación en directo utilizando diversos instrumentos electrónicos

Aunque la música electrónica comenzó dentro del ámbito de la música académica (mal llamada «música clásica»), en pocos años fue adoptada en la cultura popular.

En el Taller Radiofónico (unidad de efectos especiales de sonido de la BBC), Ron Grainer y Delia Derbyshire crearon en 1963 una de las primeras melodías electrónicas: el tema musical de la serie de televisión Doctor Who (1963-1989).

A fines de los años cincuenta, el trombonista Paul Tannen y el inventor amateur Bob Whitsell habían producido el electroteremín, un instrumento que imitaba el timbre del teremín (instrumento extraordinariamente difícil de tocar, ya que no utilizaba un teclado para generar los tonos) pero con un mecanismo de control más sencillo de usar. Tanner tocó su instrumento en varias bandas de sonido para cine y televisión, y en un LP llamado Music from Outer Space (música del espacio exterior). También tocó tres temas en el disco Good Vibrations de The Beach Boys (1966).

La compositora y clavecinista Wendy Carlos (en esa época llamada Walter Carlos) popularizó el uso del sintetizador con dos notables álbumes: Bach enchufado (1968) y El sintetizador bien temperado (1969), que tomaba piezas reconocidas de la música barroca y las reproducía con el recién inventado sintetizador Moog. El Moog era monofónico (o sea que generaba sólo una nota a la vez: no podía producir acordes) por lo que para producir obras polifónicas tal como las que grabó Carlos, se requirieron muchísimas horas de grabación en estudio.

Se conoce la anécdota de que los amateurs que oían el disco, creían que el sintetizador Moog permitía grabar una línea melódica con un timbre y luego grabar otra melodía con otro timbre, adicionándola a los timbres anteriores (un principio que luego utilizaría el secuenciador).

Rock [editar]

Esos primeros sintetizadores eran notoriamente inestables y se desafinaban con facilidad. Aun así, algunos teclistas, como Keith Emerson (de Emerson, Lake and Palmer) los utilizaban en sus recitales.

También el melotrón aparece en Strawberry Fields Forever de The Beatles. Y el pedal de tono de volumen fue usado de manera artística como instrumento de base en Yes It Is.

Moog no fue el único inventor de sintetizadores. En la costa oeste de EE.UU., Donald Buchla desarrolló sintetizadores que —al contrario que el Moog— no se basaban en un teclado.

A medida que se desarrolló la tecnología, los sintetizadores se volvieron más baratos, robustos y portátiles, y fueron adoptados por muchas bandas de rock. Ejemplos de los primeros grupos que adoptaron sintetizadores fueron The United States of America, The Silver Apples y Pink Floyd. Aunque no toda su música era electrónica (con la destacada excepción de los Silver Apples), buena parte del sonido resultante dependía del sintetizador. El uso de los medios electrónicos se volvió tan cliché que a mediados de los setenta, el grupo británico Queen ponía un aviso en sus álbumes, que decía «¡Sin sintetizadores!».

Sobre todo en la corriente de rock experimental del llamado kraut rock alemán, pero también en el art rock inglés los elementos electrónicos tenían gran importancia.

Alemania [editar]

La popularidad llegó con los trabajos de la banda alemana Kraftwerk, que surgió de la corriente del krautrock. Pero a partir de su disco Autobahn (1974) se empezó a fusionar el pop minimalista con la música electrónica. Entre 1974 y 1981, la banda desarrolló su estilo, que después fue denominado Electro y tuvo características bailables. Utilizaban la electrónica y la robótica para simbolizar (y a veces celebrar jubilosamente) la alienación del mundo tecnológico moderno. Hasta el día de hoy su música permaneció absolutamente electrónica.

En Alemania, bandas tales como Tangerine Dream, Can, Neu! y otros incorporaron los sonidos particularmente electrónicos a sus temas.

La música de Kraftwerk tuvo gran influencia en Estados Unidos, donde a principios de los años ochenta, surgió la música house, que fue, a grandes rasgos, un estilo más minimalista y electrónico de la música disco de los años setenta.

Sampleadores y synth pop [editar]

Artículo principal: Synth pop

A fines de los años setenta y comienzos de los ochenta, los sintetizadores analógicos dieron paso a los digitales y a los sampleadores. Los primeros sampleadores eran excesivamente costosos. Empresas como Fairlight y New England Digital vendían instrumentos que costaban más de 100.000 dólares. A mediados de los ochenta, esto cambió con el desarrollo de sampleadores económicos.

Desde fines de los años setenta, grupos como Gary Numan, Heaven 17, Eurythmics, Severed Heads, The Human League, Yazoo, The Art of Noise, Orchestral Manoeuvres in the Dark, Depeche Mode y New Order desarrollaron maneras completamente nuevas de hacer música popular con medios electrónicos. En la música New Wave, el grupo Fad Gadget se cita como el padre del uso de lo electrónico.

Años ochenta [editar]

Mezclas del estilo electro con el house generaron, a mediados de los ochenta, la música techno (en Detroit, Michigan, EE.UU.) y la house (en Chicago, Illinois).

La gran popularidad de la música electrónica llegó a fines de los años ochenta, cuando también en Europa productores y DJs empezaban a producir temas de techno y acid. Esta corriente estaba influenciada desde varias ramas del pop como la EBM y el electro pop de formaciones como Depeche Mode, lo que generó nuevas ramas dentro de la música electrónica, como el trance y el dance europeo.

El desarrollo del sonido techno en Detroit y la house music en Chicago desde principios a finales de los ochenta y el posterior movimiento británico de acid house de fines de los ochenta a principios de los noventa, todos empujaron el desarrollo y aceptación de la música electrónica e introdujeron la música dance en las discotecas. La composición electrónica puede crear ritmos más rápidos y más inhumanamente precisos que lo que se puede utilizando percusión tradicional. La música dance a veces presenta sonidos de instrumentos tradicionales y voces (samples o ‘muestras’) alterados electrónicamente.

La caída de los precios en los equipos electrónicos ha hecho que la música popular los haya adoptado cada vez más. Artistas como Madonna ,Björk y Moby han popularizado variantes de esta forma de música.

Música industrial [editar]

Artículo principal: Música industrial

La habilidad natural de las máquinas para hacer ruidos estocásticos, inarmónicos, de estática llevó a un género de música conocido como música industrial tal como Throbbing Gristle (que comenzó a trabajar en 1975), Wavestar y Cabaret Voltaire.

Algunos artistas, como Nine Inch Nails, KMFDM, Marilyn Manson y Severed Heads, tomaron algunas de las aventuradas innovaciones de la musique concrète y las aplicaron a la música dance mecánica y a las guitarras de metal. Otros, como Test Department, Einstürzende Neubauten, tomaron este nuevo sonido y crearon composiciones electrónicas infernales. Mientras tanto otros grupos (Robert Rich, zoviet*france:, rapoon) tomaron estos timbres destemplados y los fundieron en paisajes sonoros más evocativos. Y aun otros (Front 242, Skinny Puppy) combinaron esa aspereza con sonidos más bailables y pop, formando la música corporal electrónica (EBM o Electronic Body Music).

Aliados con el interés creciente en la música electrónica e industrial, se encuentran artistas que trabajaron en el ámbito de la música dub. Notable en esta área está el productor Adrian Sherwood, cuya discográfica On-U Sound en los años ochenta fue responsable de integrar la estética industrial y del ruido con la producción de cinta y dub, con artistas tales como el industrial-funk Tackhead, el vocalista Mark Stewart y otros. Esto allanó el camino para el interés en los años noventa por el dub, primero a través de bandas tales como Meat Beat Manifesto y luego para los productores de downtempo y trip hop como Kruder & Dorfmeister.

Jazz electrónico [editar]

En jazz, los instrumentos acústicos amplificados y los sintetizadores se combinaron en una serie de importantes grabaciones del grupo Weather Report. Joe Zawinul, el tecladista del grupo, ha continuado produciendo música de este tipo. El notable pianista de jazz Herbie Hancock con la banda The Headhunters (‘los cazadores de cabezas’) en los años setenta también introdujo a los oyentes de jazz en una amplísima paleta de sonidos electrónicos, que más adelante exploró con más entusiasmo en su disco Future Shock, una colaboración con el productor de música Bill Laswell en los ochenta, que engendró el éxito pop Rockit en 1983.

Músicos como Tangerine Dream, Brian Eno, Vangelis, Jean Michel Jarre, Klaus Schulze, Ray Buttigieg y los japoneses Kitaro e Isao Tomita también popularizaron el sonido electrónico. La industria del cine también utilizó largamente la música electrónica en películas. Un ejemplo es la banda de sonido de Wendy Carlos en A Clockwork Orange (La naranja mecánica, el filme de Stanley Kubrick sobre la novela de Anthony Burgess).

La banda de sonido de Forbidden Planet (El planeta prohibido), de Louis y Bebe Barron, había usado sonido electrónico (aunque no sintetizadores) en 1956.

Una vez que los sonidos electrónicos se volvieron más comunes en las grabaciones populares, otras películas de ciencia ficción, como Blade Runner y la serie Alien empezaron a depender fuertemente en el uso de música electrónica y de efectos derivados, para generar el ambiente y la modalidad terrorífica. Los grupos de música electrónica fueron contratados para producir bandas sonoras.

Años noventa [editar]

En los años noventa, la música electrónica conquistó prácticamente todo el mundo. Desde varios países se incorporaron elementos nuevos, como es el caso del jungle inglés que se basa en ritmos complejos derivados de la música caribeña, como el dub o el nortec, derivado de la música tradicional mexicana y la electrónica.

A finales de los años noventa, fueron naciendo nuevos géneros como el Tribal derivado de sonidos tribales y percusiones. También se popularizaron más géneros como el progressive y el deep house.

En la actualidad, la música electrónica está consolidada en todo el mundo, teniendo millones de seguidores que disfrutan con los sonidos creados por artistas que utilizan máquinas y computadoras.


Artistas [editar]

Algunos de los exponentes mas famosos en el mundo de la música electrónica son: Hernan Cattaneo, Ferry Corsten, DJ Tiësto, Paul van Dyk, Armin van Buuren, Carl Cox, David Guetta, Armand van Helden, Daft Punk, The Chemical Brothers, Markus Schulz, Axwell, Steve Angello, Benny Benassi, Crash & Tiny ,AmebA,Björk, DJ KRL, y Deslet .

Véase también [editar]

Enlaces externos [editar]

*****************************

Música académica electrónica


Música electrónica es un género musical amplio para definir a la música creada mediante el uso de equipo electrónico. Cualquier sonido generado por medio de una señal eléctrica (como una guitarra eléctrica, o incluso los micrófonos, amplificadores y altavoces) podría ser correctamente llamado electrónico; empero el uso ha restringido este término exclusivamente para la música generada por sintetizadores, sampleadores (samplers), computadoras y máquinas de ritmo.

El concepto de música electrónica da cabida tanto a variedades experimentales y obras académicas como a estilos populares, producciones dance y géneros comerciales.

En este artículo sólo se describirá la música académica electrónica, mal llamada música clásica electrónica. En otro artículo se trata la música electrónica popular.

En el marco de la música académica, la música electrónica es la que utiliza puramente medios electrónicos para producir sonidos. Los compositores empezaron a aprovechar los avances tecnológicos de comienzos del siglo XX.

El primer instrumento puramente electrónico fue el telearmonio (o telharmonium), inventado por Thaddeus Cahill en 1897. Un inconveniente muy simple impidió la adopción popular del telearmonio: tenía el tamaño de un automóvil y pesaba siete toneladas.

El primer instrumento electrónico práctico fue el teremín, inventado por el profesor Lev Theremin entre 1919 y 1920.

Otro primitivo instrumento electrónico fueron las ondas Martenot, que Olivier Messiaen utilizó en la sinfonía Turanga Līlā (‘los pasatiempos de la mente’ en sánscrito) y otros compositores (principalmente franceses, como André Jolivet) usaron en sus obras.

El fascista Manifiesto futurista de Marinetti (1910) poseía postulados que rápidamente se extenderían al mundo de la música (y de otras disciplinas artísticas), tal como lo reflejaron pioneros como Luigi Russolo, Edgar Varèse, Mauricio Kagel, Joe Meek, Martenot y muchos otros.

******************************

Música electroacústica

De Wikipedia, la enciclopedia libre

La música electroacústica comienza a despuntar en los años inmediatamente posteriores a la Segunda Guerra Mundial, gracias al notable avance de la electrónica y su aplicación a diversos ámbitos científicos. Surgió como posición unificadora entre la música electrónica que se venía haciendo en Colonia (Alemania) durante los años cincuenta (la cual usaba prácticamente sólo sonidos generados electrónicamente) y la música concreta, aunque poco a poco se fue convirtiendo en un término general que agrupa ahora a la electrónica en vivo, la tape music (música en cinta), y cualquier otra música o tendencia que pueda combinar sonidos del entorno acústico natural, sean convencionalmente musicales o no, con otros generados de manera electrónica mediante osciladores, generadores de onda, computadoras, etc. Cuando se utilizan exclusivamente sistemas digitales también se denomina música cibernética.

Una de sus características es que esta música se elabora principalmente en los estudios y laboratorios y en la práctica elimina a los intérpretes.

Gran parte de la música de vanguardia pertenece a esta corriente, por lo que no es extraño encontrar en los conservatorios de música, laboratorios electroacústicos y espacios dedicados a la composición por medios informáticos.

Algunos compositores que han cultivado este estilo son:

Véase también música experimental

Lista de compositores hispanoparlantes [editar]